Streetart. Kunst oder Ware?:Kultur- und Konsumkritik nach Adorno und Horkheimer. 1. Auflage Julian Bochberg

Otto Dix fought in the First World War for the better part of four years before becoming one of the most important artists of the Weimar era. Marked by the experience, he made monumental, difficult and powerful works about it. Whereas Dix has often been presented as a lone voice of reason and opposition in Germany between the wars, this book locates his work squarely in the mainstream of Weimar society. Informed by recent studies of collective remembrance, of camaraderie, and of the popular, working-class socialist groups that commemorated the war, this book takes Dix´s very public, monumental works out of the isolation of the artist´s studio and returns them to a context of public memorials, mass media depictions, and the communal search for meaning in the war. The author argues that Dix sought to establish a community of veterans through depictions of the war experience that used the soldier´s humorous, grotesque language of the trenches and that deliberately excluded women and other non-combatants. His depictions were preoccupied with heteronormativity in the context of intimate touch and tenderness between soldiers at the front and with sexual potency in the face of debilitating wounds suffered by others in the war.

Der Autor Hans Cornelius (1863-1947) war Philosoph, Psychologe und Pädagoge. Er unternahm unter anderem Reisen nach Italien und nach Schweden und betätigte sich auch als Maler und Bildhauer. In München unterrichtete er an den Lehrwerkstätten für freie und angewandte Kunst, die von Emil Preetorius geleitet wurden; der Lehrbetrieb wurde nach seinen Angaben neu geordnet. Auf Anregung seines einstigen Schülers Max Horkheimer fand 1950 in seinem Haus in Gräfelfing eine Ausstellung statt, in der in Verbindung mit einer Gedächtnisfeier Gemälde und Plastiken des Künstlers Hans Cornelius gezeigt wurden. Cornelius´ Philosophie, die von der Erkenntnistheorie Machs und der Transzendentalphilosophie Kants ausging, wollte den Kantischen Apriorismus radikalisieren und auch die kategorialen Mechanismen, die bei Kant aus der Einheit des Bewusstseins deduziert waren, allein aus der Analyse des unmittelbar Gegebenen gewinnen. Cornelius suchte die für die Einheit des Bewusstseins zentralen Humeschen Begriffe des Dings, der Kausalität und der Person einer über ihre Rettung durch Kant hinausführenden Klärung zuzuführen. Dabei gelangte er zu einer neuen Auffassung vom Wesen des Bewusstseins, indem der Begriff der Gestalt zu einer philosophischen Fundamentalkategorie erhoben wurde, durch welche Idealismus und Materialismus paradox ineinander verschränkt wurden. (Wiki) Der vorliegende Band über die Elementargesetze der Bildenden Kunst ist mit 240 S/W-Abbildungen und 13 S/W-Tafeln illustriert. Nachdruck der Originalausgabe aus dem Jahre 1908.

Zu seinem Leben mit der Kunst kann Tomas Hoke eigentlich keinen Anfang festmachen, da das Aufwachsen in einem Haus, das von der Kunst bestimmt war, ein natürlicher Zustand zu sein schien. Die Ateliers und Werkstätten waren im Haus. Das Mitarbeiten in den Werkstätten ab dem zwölften Lebensjahr war selbstverständlich. Die Arbeit in der Lithografie- und in den Emailwerkstätten war oft bis an den Rand der Erschöpfung anstrengend. Erst viel später erkannte er, dass die Prägung dieser Zeit es ihm schwer machte, den Betrieb an der Akademie ernst zu nehmen.Das Studium an der Wiener Universität für angewandte Kunst im Be- reich Metallgestaltung bezeichnet Hoke letzten Endes als frustrierend, Vorlesungen bei Bazon Brock und Peter Weibel hingegen brachten ihn auf einen neuen Weg, der oszillierend zwischen Praxis und Theorie bis heute sein künstlerisches Leben bestimmt. ´´Wie weit die Transformationen von einmal Erkanntem in den ver- schiedenen Medien ihren Niederschlag finden, oder ob das Ent- wickeln mehr einer permanenten Metamorphose gleicht, kann ich heute nicht sagen. Ich kann auch nicht sagen, wie sich Gedanken materialisieren, indem sie sich auf einem Blatt oder in etwas an- derem niederschlagen. Ich kann nur über den Zustand berichten, in den ich gerate: Es ist eine Art Versenkung, fast kontemplativ zu nennen und doch hellwach und entscheidungsfähig. Es geht immer ums Ganze, Universelle. Im Mikro- wie im Makrokosmos, von der Bleistiftspitze bis zum raumgreifenden Objekt.´´ (Tomas Hoke)

Das Sachbuch zeigt die Biographie des Bildhauers Robert Ullmann. Sein Charakter und sein Handeln waren geprägt von seinem Erfolg als Wunderkind, der ihm einst Wohlwollen bis ins Kaiserhaus sicherte. Nach Absolvierung der Akademie der bildenden Künste schuf er wie besessen Skulpturen, Gedenktafeln und Reliefs. Auch für die Porzellanmanufaktur Augarten zeichnete er sich mit hervorragenden Tiernachbildungen aus, die später beliebte Staatsgeschenke waren. In der NS-Zeit gewann er große Beachtung als Bildhauer, wie er sie seinerzeit als Wunderkind genoss. Alle seine Werke wurden jedoch durch Kriegseinwirkungen zerstört. Nach Kriegsende setzte er seine Tätigkeit mit unverminderten Fleiß fort. Ab den 1950er Jahren spaltete sich - dank des Bildhauers Fritz Wotruba - die künstlerische Stilrichtung in ´´modern´´ und ´´konservativ´´. Ullmanns Popularität während der NS-Zeit begleitete und isolierte ihn jedoch gegenüber modernen Kollegen, obwohl er versicherte, sich nur der Bildhauerei verschrieben zu haben. Während seines letzten Auftrages, den er durchaus modern gestaltete, verstarb er plötzlich.

Es ist das sprichwörtliche Märchen vom Fund auf dem Dachboden. Schauplatz: ein Zürcher Einfamilienhaus. Gegenstand: eine größere Anzahl alter Kisten. Inhalt: Der Nachlaß eines Mannes, der ein Universalkünstler war: zuerst Architekt, dann Innenarchitekt und Designer, dann Gebrauchsgraphiker, dann Plakatkünstler, dann Bühnenbildner, daneben natürlich auch Zeichner, Maler, Autor - und zwar nicht als fröhlicher Dilettant, sondern als anerkannter, ja berühmter Vertreter seiner Fächer. Die Rede ist von Emil Pirchan (1884-1957), der so vieles rasch hintereinander und auch wieder gleichzeitig machte, daß die gesetzte Kunst- und Theater geschichte nicht hinterher kam und das offizielle Kulturleben es schließlich dabei bewenden ließ, eine Gasse in Wien nach ihm zu benennen. Die Entdeckung auf dem Dachboden gab Beat Steffan, dem Enkel des Künstlers, nun Anlaß zu einer Expedition in Emil Pirchans kreative Welt. Zu dem Fund gehörten Skizzenbücher, graphische Arbeiten, Bühnenbildentwürfe, biographische Materialien, eine umfangreiche Bibliothek. Es stellte sich zudem heraus, daß im Theatermuseum Wien ein größerer Bestand ruhte, neben Plakaten in einschlägigen Sammlungen wie dem Stadtmuseum München oder dem Folkwang Museum Essen. Ein größeres Autorenteam hat es in den letzten zwei Jahren unternommen, das Material zu ordnen, zu erfassen, zu sichten und aufzubereiten. Das Ergebnis ist ein Band, der eine ganze Epoche der deutschösterreichisch- tschechischen Kulturgeschichte in ungeahntem Facettenreichtum wieder erlebbar macht. Dazu dienen mehr als 300 größtenteils unbekannte Abbildungen sowie Beiträge von anerkannten Fachleuten aller Disziplinen, in denen Pirchan sich bewegt hat. Der Band erscheint in einer deutschen und in einer englischen Ausgabe und enthält auch umfassende Verzeichnisse zu Pirchans Schaffen u.a. für seine Graphik, Plakate, Bühnenbilder, Bücher, Aufsätze etc. Die Publikation wird deswegen auf absehbare Zeit das maßgebende Referenzwerk für den Künstler bilden. Emil Pirchan (1884 -1957), geboren in Brünn, begann seine künstlerische Laufbahn als Schüler des berühmten Wiener Jugendstil- Architekten Otto Wagner, wechselte dann zum Interior-Design. Bald erweiterte er sein Feld auf Werbe-Graphik mit Schwerpunkt bei der Plakatkunst, gründete 1913 in München eine Schule für Gebrauchsgraphik und Bühnenbild, deren verheißungsvolle Entwicklung durch den 1. Weltkrieg unterbrochen wurde. Als Austattungsleiter am Bayerischen Staatstheater machte Pirchan durch revolutionäre expressionistische Bühnenbilder Furore; ab 1921 schuf seine Zusammenarbeit mit Leopold Jessner in Berlin epochemachende Inszenierungen zeitgenössischer und klassischer Stücke. Infolge der Wirtschaftskrise wechselte Pirchan 1930 nach Prag, ehe er 1936 zum Professor an die Akademie der Bildenden Künste nach Wien berufen wurde. Während der Zeit des Nationalsozialisus zog er sich vermehrt auf das Schreiben zurück und publizierte diverse Monographien (darunter das erste Übersichtswerk zu Gustav Klimt) und einschlägige Werke über Theaterkunst und Tanz (u.a. ´´Harald Kreutzberg´´, 1941). Die Zeit nach dem 2. Weltkrieg war schließlich von Lehrtätigkeit geprägt.

Heute verlassene und vergessene Fabrikhallen, die einst der Motor der Wirtschaft waren, werden heute von mehr oder weniger begabten Graffiti Künstlern aufgesucht. Für viele mag Graffiti nur Geschmiere sein, für Andere ist es eine künstlerische Ausdrucksform.

Literary Editor at the ´´New Statesman´´ and biographer of prominent writers Claire Tomalin reflects on war, loss, ambition and the pressures of mid-century womanhood in this stirring and contemplative memoir for readers of ´´Giving Up The Ghost´´ and ´´Experience´´.